EL TRABAJO

Los siguientes textos son válidos para todas las voces, incluida la voz de contratenor que conozco bien. La única diferencia es que el contratenor tendrá que trabajar absolutamente su mecanismo 1 regularmente, dicho, pecho y trabajar mucho en la unión de los registros, para tener una perfecta homogeneidad en su notas de paso abajo. Hay muchos ejercicios para esto. Todas las recomendaciones siguientes son orientativas. El profesor adapta su discurso a cada uno. Sólo el oído del maestro es una guía segura, y el alumno, cuando el maestro dice: "Ahí está, está bien", tendrá que memorizar lo que ha hecho para reproducirlo. De esta manera, muy lentamente, el gesto se irá haciendo óptimo. Esculpimos una voz, como una obra de arte, que comienza desbastándola, para terminar en los más mínimos detalles.

yo trabajo asi

Ser criado.

Querer ser cantante es un sueño maravilloso, pero también está plagado de trampas. Antes de ser alumno, tienes que elegir a tu profesor y tener en tu oído una referencia de cantantes que canten bien. Tener lo antes posible, un sentido crítico y referencias establecidas.

Algunas pistas: Un error es llevar sistemáticamente al profesor al lado de tu casa. Puede ser bueno, también puede no ser lo que necesita. Una pista es ir y escuchar a los estudiantes. Si todos tienen la misma falla, seguro, en un rato esta falla será tuya. Así que desconfía. Que elegir ? ¿Un conservatorio? ¿Una lección en particular? Debes saber que en el conservatorio, el primer año, solo tendrás 20 minutos de clases de canto a la semana (fuente CNR de Bordeaux), lo cual es ridículo, por otro lado, tendrás acceso a todas las materias esenciales para tu capacitación. Segunda solución, la lección privada, el precio a menudo elevado, de 60 a 80 euros de media, puede ser un baluarte para el trabajo regular. Así que elige primero al maestro en relación con el progreso que te hace hacer. Me da pena el cantante que, sin un centavo, quiere hacer de la lírica su trabajo, porque o solo tendrá 20 minutos de lecciones a la semana, o se quedará con el dinero para pagar. Es kafkiano. A veces puedes negociar con tu profesor una cuota mensual, lo que puede ser ventajoso.

Dietrich Fischer Dieskau decía que cuando has encontrado un maestro que te ayuda a progresar, tienes que quedarte y perseverar. Cambiar a menudo es la mejor manera de no avanzar nunca, porque dedicas tu tiempo a cambiar la memoria muscular, que al final nunca se asienta. Es por eso que puedes estudiar durante diez años y no tener una técnica vocal construida. Los invito sobre el tema, a averiguar qué es la memoria kinestésica. Se necesitan al menos 2 meses para corregir y registrar un nuevo gesto muscular, siempre que el mal gesto no se repita en absoluto.

Salvo excepciones, se requiere mucha paciencia para obtener una gran facilidad. En efecto, no se trata de hacer un Bb para un tenor, así, muchos tenores tienen Bbs. Lo que se necesita es hacer este Bb en la totalidad de lo que tu instrumento y tu cuerpo pueden hacer. Es decir, con apoyo perfecto, liberación total de la garganta, enfoque vocal óptimo. Y este Bb, créeme, cuando esté allí, no tendrá nada que ver con el Bb que habrás hecho sin pensar, sin construir. Entonces, sí, es desconcertante, porque cantar es una construcción de un conjunto muscular. ¿Te imaginas convertirte en atleta habiendo practicado solo 3 meses de musculación? Es exactamente lo mismo. Entonces, incluso si eres un vocalista dotado, debes ser paciente y no abordar las cosas importantes demasiado pronto. Esperar a la madurez, como un buen vino.

La principal dificultad que tuve que enfrentar fue la contradicción entre los discursos de los profesores. Era muy difícil orientarse: "....canta delante, canta detrás, canta en los labios, abre la garganta, no engordes, no aprietes, canta en las cuerdas, respira con los barriga, sostén de abajo hacia arriba, sostén de arriba hacia abajo…”, en fin, una perra no encontraría allí a sus crías. De hecho, cuando haces un gesto en el lugar, te das cuenta de que están bien, pero te llevará años construir una técnica, y no hablo de la construcción de tu repertorio, de tus programas de conciertos, de afrontar el escenario. el susto, las puestas en escena, las audiciones, las relaciones con su agente, los largos periodos de ausencia de la casa…Solo les hablaré de la primera etapa, la conformación de su instrumento.

A la hora de estudiar canto hay que ser constante en el trabajo y estar en un estado psíquico bastante neutro. Con eso quiero decir que no te desanimes cuando estás pisoteando, y no creas que todo ha sucedido cuando se emite el sonido correcto. El progreso en el canto no es lineal y es algo similar a la curva del cac 40 en 2021. Escuchar la evolución de las grabaciones realizadas de vez en cuando es de gran ayuda.

Otro punto importante es la traición de lo que uno escucha como cantante porque el sonido que uno escucha no tiene nada que ver con el sonido que recibe el oyente. Incluso iría más allá, llevarse mucho no es muy buena señal.

Cuando el gesto vocal es bueno, solo nos escuchamos parcialmente, y muchas veces tenemos la impresión de que es la pieza la que canta. Incluso podemos tener la impresión de que el sonido que producimos es horrible, no importa. Así que ten cuidado con tus sentimientos.

¿Cuál es el propósito del aprendizaje de la voz? Máximo rendimiento, belleza con la máxima facilidad. Tita Ruffo dijo: “…Piu e forte,Meno mi costa…. ¡Cuanto más fuerte canto, menos me cuesta!

Ahora cómo trabajar. En cuanto al aprendizaje de la técnica vocal, lo que recomiendo, sobre todo al principio, son sesiones cortas pero frecuentes. Si quieres convertirlo en tu trabajo, también te recomiendo estudiar piano, solfeo, idiomas y, más adelante, armonía. Si además podemos hacer teatro, perfecto.

El cantante debe ser un músico completo, de pleno derecho y no se puede concebir esta profesión sin pasión. Entonces, para ser cantante, ¿qué necesitas? Primero cabeza bien hecha, luego trabajo, más trabajo, un poco de suerte y de paso un poco de voz!! He podido ver durante casi 35 años que las voces más hermosas no son necesariamente las que hacen las mejores carreras, y muchos instrumentos hermosos nunca han cumplido sus promesas.

El aliento

Sobre la respiración, durante 30 años (hoy me acerco a los 60), he leído y oído tantas cosas... Entre Giuseppe Giacomini que me decía que empujara el estómago, y Giorgio Zancanaro que me decía que me metiera el estómago... ..Sufrí las contradicciones, y hasta lloré!! La respiración que a menudo se enseña en las escuelas de canto es la respiración costo-diafragmática. Esta técnica implica mucho ensanchamiento de las costillas. Me di cuenta, con experiencia, y esto en decenas de alumnos, que el hecho de querer hacerle abrir voluntariamente las costillas ante el ataque del sonido, creaba muchos bloqueos, porque el alumno ya no escucha sus sensaciones, está mirando. por algo "teórico", trastorna el cuerpo, porque no está en el sentir, en lo natural, en lo primario, sino en lo "para desear". Termina tan obsesionado con la apertura de las costillas, que impide el normal funcionamiento de la respiración. Por mi parte, en la educación del appoggio, es decir, el acompañamiento permanente del sonido por el sostén de la respiración, considero tres etapas:

La primera, descubrimiento y experimentación.
La segunda, experimentación y desarrollo
El tercero, desarrollo y mejora.

Antes de desarrollar, hay que descubrir, sentir por primera vez. No podemos reproducir o describir un color sin haberlo visto al menos una vez!! Sin este paso, jugamos a Colin Maillard, corremos el riesgo de ir en la dirección equivocada y perder años. Este primer paso puede ser largo, todo depende de la historia del estudiante.

¿Hacemos algo especial para hablar? ¿Gritar? NO !!! ¿Piensas en tu respiración cuando estás discutiendo con tu esposa y los platos vuelan en la cocina? No. El bebé que llora durante horas en Do alto, ¿piensa en abrirse las costillas antes de llorar? No. Los músculos funcionan igual cuando hablamos o cuando cantamos. La única diferencia es la energía y la fuerza requerida del músculo abdominal como un todo. En el canto de alta intensidad, los músculos transverso, oblicuo y recto (resumo!!), comprimen el aire en los pulmones, debajo de las cuerdas vocales que son un esfínter. Las cuerdas vocales se ondulan bajo la presión y la velocidad del aire que las atraviesa, esto se denomina fenómeno de Bernoulli. Cuanto más alto vaya en los agudos, más rápida será la ondulación, mayor será la contracción del músculo abdominal. Este es un hecho científico indiscutible. Uno de los medios que utilizo (la tos), para que el alumno "vea" lo que está pasando, es una herramienta que me gusta. Al ataque, el impulso (mucho más suave en la fonación que en la tos, claro) se suele sentir abajo, a veces en los riñones, con la "observación" de que se abren las probabilidades, o más bien, mantente abierto. Si inflas un globo, los músculos abdominales se contraen. Hay que escuchar y observar, porque cada alumno es diferente, no al nivel del resultado, sino al nivel del sentimiento. Pero si pensamos, ante el ataque del sonido, en abrir las costillas, corremos el riesgo de perturbar la intención primaria del cuerpo. La voluntad tiene lugar en lo reactivo, en el gesto primigenio, y esta es la puerta abierta a las tensiones parasitarias. Peor aún, a veces asociamos este gesto con el deseo de meter la barriga en exceso, y ahí está el fracaso garantizado. El abdomen acaba entrando, porque los pulmones se van vaciando. De nuevo, reacción. La inspiración debe hacerse soltando el bajo vientre, en una relajación del perineo, como una piedra que cae al fondo de un pozo. Este lanzamiento genera una reentrada automática de aire, la naturaleza detesta el vacío. Nos soltamos, la respiración se sumerge en una gran relajación, la boca abierta, como si estuviéramos bebiendo el aire, como una especie de gárgara. El aire acaricia el fondo de la garganta en una especie de gran vacío. En una relajación absoluta del fondo. Este trabajo preliminar, cuando se comprende, de una manera muy natural, cancela todas las tensiones de la parte superior del cuerpo y es un remedio de formidable eficacia contra los muchos casos de respiración inversa que he encontrado.

La espiración, el disparo del appoggio se hace en sentido contrario, el aire sale comprimido. Es esta reacción, cuando, por ejemplo, tosemos, o hacemos: HHATTCCCCCCHHHAAAAA……. Manteniendo el CHHH, sintiendo que uno se sienta en la respiración. Este último depende de los riñones, pero tenga cuidado, no colapse el cofre. También observe, la próxima vez que estornude, su sensación abdominal. Siempre debemos mantener una actitud orgullosa, una verticalidad “cortés”, que va en contra de lo que se dice en muchas escuelas, donde tiramos de los cabellos hacia arriba, lo que también genera tensión. . En general, las exageraciones crean tensión.

Posteriormente, este appoggio que a veces parece violento al principio, se matiza, domestica y domina. En resumen, a medida que el cantor se convierte en artista, afina su gesto, lo desarrolla, aprende a jugar con su cuerpo, a veces a abrir la parte superior del cuerpo y las costillas flotantes más pour la virtuosa vocalización, usar más la espalda... Pero esto se hará cuando el apoyo básico esté ahí, se sienta, se asimile, y esto sólo será una continuidad y una extensión del gesto primario en nuestro cuerpo. Las memorias musculares se irán instalando, poco a poco con el tiempo. Trabajaremos entonces ataques suaves, por ejemplo con sorpresa, para ataques con rendimiento óptimo, pero, y esto es fundamental, el alumno habrá tomado conciencia desde el inicio de sus estudios, el gesto, lo habrá entendido muy rápido al localizar donde sucede No habrá perdido el tiempo tomando atajos y creando bloqueos.

Por lo tanto, no hay contradicción en los métodos, simplemente una cuestión de tiempo para permitir que el inconsciente se vuelva consciente y se asiente con total seguridad sin pérdida de tiempo o decepción.

No desarrollaré aquí el problema de la lengüeta que, si está mal colocada, impide el normal apoyo del sonido y la llegada del sonido a la bóveda de resonancia. La lengua es la clave para el paso de la voz en la cabeza, y de su correcta posición depende el correcto apoyo de la respiración.

Tampoco me acerco, siendo este tema de otro texto, la impedancia reducida. Esto corresponde a la absoluta necesidad de instalar una contrapresión a la presión subglótica. Es, simplemente, lo que los antiguos llamaban cobertura sonora.

Tampoco me acerco a la resonancia, que cuando es óptima, alivia el appoggio, volviéndose óptima la ejecución del instrumento. Porque en lugar de dar 10 para obtener 10 oa veces menos, ¡damos 6 o 7 para obtener 20!

Todo esto se remonta a lo que decían los grandes maestros del pasado: “Canta bien, y respirarás bien”, sin ir a lo que le decía Fernando De Lucia a Georges Thill: “¡Respira como puedas, y Basta!!”, cantando desarrolla el canto. La necesidad crea la herramienta. El appoggio es una reacción, y no una teoría aprendida que sólo hace que ya nadie entienda nada. Piense bien en el hecho de que los grandes deportistas, los apneístas, los yoguis, no necesariamente tienen habilidades de canto, pero tienen un trabajo enorme en la respiración. Repito, la canción desarrolla la canción, la necesidad crea la herramienta!!!!! Si tenemos un globo frente a nosotros, colocado sobre la mesa, si presionamos sobre ella de arriba salen los lados, si la presionamos de los lados sale la parte de arriba y la de abajo, esto implica que cuando los músculos abdominales comprimen, por la necesidad vital, el aire en los pulmones debajo de las cuerdas vocales, o cuerdas vocales, sea cual sea nuestra sensación, se hace una presión y se puede producir un sonido. Esto explica la contradicción de las explicaciones que me habían dado Giacomini y Zancanaro, que en realidad no lo eran. Su ciencia y su perseverancia en el trabajo, habían hecho que hubieran llevado al máximo su ciencia del control de la presión bajo la glotis, que los había convertido en las estrellas internacionales que conocemos.

La enseñanza del canto es un terrible malabarismo entre todos estos parámetros, que debe seguir siendo propiedad del maestro para no asustar al alumno, el reino del alumno debe ser la sencillez!!

La apertura de la garganta

LA APERTURA DE LA GARGANTA DEBE HACERSE EN

SINERGIA CON LA INSPIRACIÓN COMO CUANDO EMPIEZAS A GUIÑAR!!!!

La apertura de la garganta es fundamental y debe realizarse en inspiración, en una ligera y agradable expansión del espacio situado en la parte posterior de la lengua, una sensación no sólo de plenitud,algunos hablan de hacer gárgaras,sino también en una sensación de apertura del cuerpo. Sin ella, no hay canto operístico. Esta negligencia conduce a defectos en el soporte respiratorio, opresión, disminución de los medios vocales, días de malformación vocal frecuente, forzamiento.

Naturalmente, como principiante, cuando subes en los agudos, la garganta se cierra, la laringe sube, se apaga, es justo lo contrario que debe suceder. Cuando el 'subimos en el triple, la laringe debe tener un movimiento hacia abajo, teniendo cuidado con la lengua que no debe hundirse, tensa. La imagen recurrente de los profesores de canto: “Cuando subes, piensas que bajas”, expresa exactamente eso.

Hoy hablamos de impedancia reducida para explicar este fenómeno, o también de cobertura sonora. La palabra "cover" puede ser engañosa, porque puedes "bloquear", mientras que las cosas deben hacerse de manera homogénea, sin ensanchar ni engordar el sonido. Escuche a Léo Slezak, o más hacia nosotros, Juan Diego Florez, la homogeneidad de las voces es sublime. Los sentimientos de tristeza, de miedo, son capaces de llevar al cantante al resultado, generados por la progresiva inclinación del cartílago tiroideo y la mayor tensión de las cuerdas vocales que empiezan a vibrar cada vez más rápidamente. La garganta debe permanecer abierta desde los graves hasta los agudos para que la presión subglótica, provocada por la presión de la respiración, se equilibre con una presión supraglótica, creada por la apertura de la garganta y el descenso de la laringe (tenga cuidado de no dejar ¡¡empujar!!). Por lo tanto, la laringe nunca está saturada y las presiones están equilibradas. El estudiante que encuentra esto, las primeras veces, finalmente siente la acción de la respiración y algo que se libera en su garganta, porque el mecanismo correcto libera las tensiones, libera la voz!! Escuche a Helge Roswaenge y todo se le aclarará. Con él, la apertura de la garganta es realmente evidente.

Hablemos por un minuto sobre un punto importante. La apertura de la garganta puede llevar a querer ensanchar las vocales. Grave error, es la magnificación asegurada, y la muerte de la proyección del sonido. ¡Mi fórmula favorita es cantar con espacio, y no EN el espacio!

Las vocales deben permanecer siempre calibradas, y esta calibración es una condición sine qua non para lograr una interpretación vocal óptima y obtener la inclinación de la voz principal.

La máscara

Cuando la disposición interna es buena, se produce una vibración ósea de la cara. La máscara es pues un resultado. La voz parece salir de un disco que va desde la base de la nariz hasta la frente. La imagen de la inspiración, como respirar una flor, es buena. Un buen ejercicio, para sentir el punto de resonancia, es el de Huming. Consiste en emitir el sonido con el dorso de la lengua pegado al paladar blando. Este ejercicio tiene la doble ventaja de posicionar correctamente la lengua y fijar la resonancia.

Pero ojo, si adelantas la voz, tarde o temprano te cierras la garganta. Muchos creen que cantan en la máscara, nasalmente. De repente, se llevan muy bien, porque al colapsar el velo del paladar, las trompas de Eustaquio reciben toda la fuerza de las ondas sonoras. El twang les hace escuchar mucho su timbre, por lo que presionan más y más para escucharlo más y más. El sonido dentro de ellos parece enorme, aunque no tiene rango.

Se puede percibir una repercusión nasal muy alta, detrás de los ojos, ciertamente, pero no se debe cantar en la nariz. La nasilación es el círculo infernal del forzamiento y la dureza asegurada, un camino de perdición del que algunas personas tardan años en salir. Una pista, si mientras cantas te pellizcas la nariz sin modificar el sonido, ¡está bien!

Los pómulos son una gran herramienta para ayudar a enriquecer el sonido de las vibraciones altas de la cabeza, por lo que es importante sentirlos elevados. Muchos cantantes levantan los pómulos, sobre todo en los agudos. No se trata de tirar de las comisuras, en una tensión dañina que acabaría paralizando la mandíbula, sino de marcar el leve rictus de la antigua máscara. El florecimiento de la parte posterior de la garganta, o la imagen de la sonrisa interior, deja por sí mismo la huella de la sonrisa exterior de la que hablo, y esto sin tensión en la mandíbula y el cuello. Elisabeth Schwarzkopf, en clase magistral, a menudo hablaba de los pómulos, y ella misma tenía, cuando cantaba, una cara sonriente y levantada. Verá esto en los videos de la clase magistral, en el menú del sitio.

Acercándose a una partición

¿Cómo abordar una obra?

Primero, diseccione solfegicamente. Absoluto rigor en el ritmo, en la entonación, en el texto que trabajamos por separado. Armonía y estructura musical para los más avanzados. Marcar el tiempo con lápiz para principiantes. Esto se llama trabajo de mesa.

¡Haz el esfuerzo, no de aprender escuchando la canción en YouTube! Excepto en caso de emergencia.

Descifrar, ciertamente más tedioso, te enseñará mucho más para el futuro.

El mayor error es, creo, tener la voluntad de interpretar una partitura que no se domina. Requiere la máxima lealtad a lo que está escrito. Respeta los matices, los acentos tónicos, los reflejos, el fraseo. No acentuar los finales de las oraciones.

Trabaja, eliminando consonantes, para establecer gradualmente una fusión absoluta de vocales. Poco a poco agregue las consonantes, sin cortar el legato. Cuando hay vocalizaciones, es necesario aislarlas y variar los ritmos. La velocidad vendrá por sí sola después de un tiempo. Este trabajo preparatorio, que es esencial, debe hacerse con la mayor neutralidad, sin pretender antes poner en él ningún dinero personal y, sobre todo, ninguna emoción. Puntuación y este rigor dará sus frutos, y la parte de lo que eres en lo más profundo de ti mismo emergerá. La interpretación nacerá de este trabajo, y esta interpretación será lo contrario de una caricatura que habrías creado al escuchar la pieza en bucle en Youtube. Cuando se conoce la pieza, puede comenzar el trabajo con el entrenador vocal, y les prometo que estarán agradecidos por este trabajo preparatorio serio que han hecho.